KUNSTNOTIZEN Art Notes

to come (extended) © Jens Sethzman

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Mette Ingvartsen (DK)

to come (extended)

Eröffnung steirischer herbst 2017

Ständig umgeben uns Bilder sexueller Körper – auf Plakaten und in Magazinen, im Fernsehen und im Internet. Das Intime und Erogene beeinflusst, wie wir leben, was wir kaufen und wie wir uns bewegen. Mit ihrer Performance „to come (extended)“ untersucht die dänische Choreografin Mette Ingvartsen dieses unfreiwillige Ineinandergreifen von Öffentlichkeit und Privatheit. Sie hüllt ihre 15 Tänzerinnen und Tänzer in blaue Ganzkörperanzüge und setzt damit der Bilderflut aus nackter Haut und expliziter Erotik ein abstraktes Bild entgegen.

www.steirischerherbst.at

 

 

Mette Ingvartsen (DK)

to come (extended)

herbst opening 2017

We are constantly surrounded by images of sexual bodies – on posters and in magazines, on television and on the internet. The intimate and the erogenous influence the way we live, what we buy and how we move. With her performance “to come (extended)” the Danish choreographer Mette Ingvartsen investigates this involuntary interweaving of the public and private sphere. She shrouds her fifteen dancers in blue full-body suits, contrasting the deluge of images of naked skin and explicit eroticism with an abstract image.

www.steirischerherbst.at

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Martin Beck, Flowers (set 1, Detail), 2015 © Martin Beck, Courtesy Martin Beck and 47 Canall

Martin Beck, Flowers (set 1, Detail), 2015 © Martin Beck, Courtesy Martin Beck and 47 Canal.

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Martin Beck, Flowers (set 1, Detail), 2015 © Martin Beck, Courtesy Martin Beck and 47 Canal

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Martin Beck, Flowers (set 1, Detail), 2015 © Martin Beck, Courtesy Martin Beck and 47 Canal

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Martin Beck

rumors and murmurs 

06/05 – 03/09/2017 mumok

In Martin Becks Arbeiten, die sich von Anfang an durch konzeptuelle Strenge und Sparsamkeit der Mittel ausgezeichnet haben, spielen in jüngerer Zeit Körperlichkeit und Emotionalität eine immer gewichtigere Rolle. Im Mittelpunkt seines Projekts Last Night (ab 2013) steht die letzte Nacht der legendären Dance-Party The Loft in der New Yorker Prince Street von 1984. Den ersten Teil von Last Night bildet ein Buch, das detaillierte Angaben zur Musik während der 13-stündigen Party liefert. Last Night überlagert Struktur mit Leidenschaft (und umgekehrt) und verweist auf einen zeitlich und räumlich ephemeren Ort der Gemeinschaft und Emotion. Einen weiteren Teil dieses Werkkomplexes bildet ein über dreizehn Stunden langer gleichnamiger Film, der in unterschiedlichen Einstellungen wiedergibt, wie die im bei der Party gespielten Schallplatten in einem privaten Setting auf einem Plattenspieler aus der Zeit abgespielt werden.

www.mumok.at

 

Martin Beck

rumors and murmurs 

06/05 – 03/09/2017 mumok

In Beck’s conceptual works, sensuality and emotions play an increasingly important role. His project Last Night, for example, explores the final night of the legendary dance party The Loft in New York’s Prince Street in 1984. Last Night refers to collective emotional memory and also the points of connection and paradoxes that Beck’s work addresses: moments where the promises of freedom and the exercise of control not only coexist, but are mutually interdependent.

www.mumok.at

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Antoinette Zwirchmayr

JEAN LUC NANCY

Diagonale’17-Festivaltrailer

Der Vollmond am schwarzen Nachthimmel, ein schwingendes Pendel, Sternenbilder, drei weibliche Rückenfiguren, ein Ensemble aus funkelnden Kristallen, halbtransparente Streifen in Bewegung, Lichtspiele in Schwarz-Weiß und Farbe. Miteinander in Beziehung gesetzte Bilder, Perspektiven, Körper, Räume, Welten. Oder anders gesagt: Kino. Konkret wie abstrakt, sinnlich wie theoretisch durchdenkt und erspürt JEAN LUC NANCY das vielschichtige Wesen des Kinos: als Dispositiv, als Medium, als Werkkorpus, als ästhetische Erfahrung und als sinnlicher Ort der Begegnung und der Zärtlichkeit – flüchtig, erhellend, bewegend, berührend.

www.diagonale.at

 

 

 

 

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Francis Alÿs

Le temps du sommeil

18/11 – 22/01/2017  Secession

Die Ausstellung von Francis Alÿs im Hauptraum der Secession ist die erste Einzelausstellung des Konzeptkünstlers in Österreich, der mit seiner Teilnahme an der documenta 13 und Einzelausstellungen im MoMA in New York und in der Tate Modern in London zu den bekanntesten Künstlern der Gegenwart zählt.Alÿs transformiert einfache Handlungen im öffentlichen Raum in symbolische politische wie poetische Gesten, die Themen wie nationale Grenzen, soziale Ungleichheit oder kommunale Konflikte ansprechen. Seit 1991, als er seine ersten Spaziergänge realisierte, ist der zu Fuß durchstreifte Stadtraum ein zentraler Topos seiner künstlerischen Praxis. Häufig sind seine Aktionen und Performances Ausgangspunkt für eine Bandbreite zugehöriger Arbeiten und verknüpfen verschiedene Medien. Sein umfangreiches und vielfältiges Werk umfasst Videofilme, Zeichnungen, Malerei, Fotografien, Performances und Klangarbeiten.
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Francis Alÿs

Le temps du sommeil

18/11 – 22/01/2017  Secession

Francis Alÿs’s work has been featured at documenta 13 and in solo exhibitions at MoMA, New York, and Tate Modern, London, making him one of the most widely acclaimed artists working today. His show in the Secession’s main hall is the conceptual artist’s first solo presentation in Austria.Alÿs transforms simple actions in the public sphere into symbolic political/poetical gestures that broach issues such as national boundaries, social inequality, or intra-communal conflict. Since 1991, when he realized his first Walks, the urban landscape traversed on foot has been a central topos of his artistic practice. His actions and performances often spawn a range of associated works and media. His extensive and diverse oeuvre encompasses videos, drawings, paintings, photographs, performances, and sound pieces.

www.secession.at

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© Martin Argyroglo

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Philippe Quesne (FR)

Die Nacht der Maulwürfe (Welcome to Caveland! )

Eröffnung steirischer herbst 2016

Die Eröffnungsproduktion entführt in die Traumwelten des französischen Theaterzauberers Philippe Quesne. Für den steirischen herbst gräbt er sich unter die Erdoberfläche und stößt dort auf eine skurrile Gesellschaft. In „Die Nacht der Maulwürfe (Welcome to Caveland!)“ lädt Philippe Quesne das Publikum in eine geheimnisvolle Unterwelt ein. Die Höhle weckt Assoziationen zu urzeitlichen Grotten, selbstgebastelten Geisterbahnen und Atombunkern. Hier durchlebt eine Gemeinschaft von gigantischen Maulwürfen die Zyklen des Lebens: Geburt und Tod, Fressen und Gefressenwerden, Erschaffen und Zerstören. Quesnes Geschöpfe schlagen sich blind, aber beharrlich durch ihren Alltag, rollen als Nachfahren von Sisyphos sinnlos Gesteinsbrocken hin und her und präsentieren sich als perfekte Metapher für die Menschen und ihr Tun.

www.steirischerherbst.at

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Philippe Quesne (FR)

The Night of the Moles (Welcome to Caveland!)

herbst opening 2016

This year’s opening production whisks us off to the dream worlds of French theatre wizard Philippe Quesne. For steirischer herbst he digs his way under the surface of the earth, where he encounters a fantastic society. In “The Night of the Moles (Welcome to Caveland!)” Philippe Quesne invites the audience to a mysterious underworld. The cave conjures up associations of primeval grottos, home-made ghost trains and nuclear bunkers, and is home to a community of giant moles living through the cycles of life: Birth and death, eating and being eaten, creation and destruction. Blind but doggedly, Quesne’s creatures grapple with everyday life. Descendants of Sisyphus, they spend their time pointlessly rolling rocks to and from – a perfect metaphor for human beings and their actions. Playful, voracious, lovable and at times deadly aggressive, man’s furry relatives await future events that never happen, thus evoking Samuel Beckett’s absurd characters, and also Plato’s allegory of the cave. In spite of their seemingly aimless existence they never cease to evolve, lining up as a psychedelic rock band or indulging in peculiar rituals.

www.steirischerherbst.at

 

 

 

 

 

mumok_postkarte_02.inddRee Morton, Pleasures (Signs of Love), 1976 © Estate of Ree Morton, Courtesy Alexander and Bonin, New York / Photo: Joerg Lohse

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mumok_postkarte_01.inddRee Morton, Pleasures (Signs of Love), 1976 © Estate of Ree Morton, Courtesy Alexander and Bonin, New York / Photo: Joerg Lohse

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mumok_postkarte_03.inddRee Morton, Pleasures (Signs of Love), 1976 © Estate of Ree Morton, Courtesy Alexander and Bonin, New York / Photo: Joerg Lohse

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Ree Morton

Painting 2.0.

Malerei im Informationszeitalter

04/06 – 06/12/2016 mumok

Die Ausstellung Painting 2.0: Malerei im Informationszeitalter stellt das ungebrochene Interesse an zeitgenössischer Malerei und die stete Expansion digitaler Technologien in einen überraschenden historischen Zusammenhang: Sie zeichnet nach, wie sich bereits seit dem Beginn des Informationszeitalters in den 1960er-Jahren die fortschrittlichsten Ansätze der Malerei in produktiver Reibung mit der Massenkultur und ihren medialen Bedingungen entwickeln. Vom Aufkommen des Fernsehens bis zur sogenannten Internetrevolution ist es der Malerei stets gelungen, jene Mechanismen zu integrieren, die ihren Tod zu bedeuten schienen.

www.mumok.at

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Ree Morton

Painting 2.0.

Expression in the Information Age

04/06 – 06/12/2016 mumok

The exhibition Painting 2.0: Expression in the Information Age places our sustained interest in contemporary painting and the continuous expansion of digital technologies within a surprising historical context. This exhibition goes back to the dawn of the information age in the 1960s and shows how painting already then developed in productive friction with mass culture and its media. From the arrival of television to the so-called internet revolution, painting has consistently succeeded in integrating the mechanisms that seemed to herald its own death.

www.mumok.at

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Circus Cirkör (SE)

Limits

Eröffnung La Strada 2016

„Als ich klein war, dachte ich, die Menschen bewegen sich rund um die Erde, um die Weltkugel im Gleichgewicht zu halten. Wenn wir Grenzen schließen und Zäune bauen, verursachen wir den Verlust dieser Balance und die Erde kippt“, sagt Tilde Björfors, die sich seit der Gründung ihres Cirkus Cirkör künstlerisch mit Grenzen und ihrer Überwindung auseinander setzt. Nie war dieses Thema aktueller als heute, und in der gefeierten Produktion „Limits“ geht es um die Frage, wie real oder imaginär Grenzen aller Art sind. Wie weit sich die Grenzen des akrobatisch und künstlerisch Machbaren dehnen und Perspektiven auf den Kopf stellen lassen, zeigt die diesjährige Eröffnungsproduktion von La Strada auf eine einzigartige Weise und stellt das Publikum auf eine echte Wahrnehmungsprobe.

www.lastrada.at

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Circus Cirkör (SE)

Limits

La Strada Opening 2016

“When I was little, I thought that people were moving around the Earth in order to keep the globe in equilibrium. When we close borders and build fences, we cause this balance to be lost and the Earth tips up”, says Tilde Björfors, who has been applying her artistic energy to borders and overcoming them since founding her Cirkus Cirkör. Never was this topic more current than now, and the celebrated production “Limits” deals with the question as to how real or imaginary borders of all kinds are. As to the extent to which the boundaries
of what is possible through acrobatics and artistry can be stretched and perspectives can be stood on their heads, this is demonstrated in a unique manner by this year’s La Strada opening production, presenting the audience with a real test of perception.

www.lastrada.at

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JMW_Postkarte_final.inddPraterstraße 23, 1902–1908; Internationale Hygiene-Ausstellung, Dresden 1911. Weitere Adressen: Rathausstraße 13, 1895 –1902; Krugerstraße 8, 1902–1903 aus: The Shabbat Room, 2013

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The Shabbat Room.

Eine Rauminstallation von Maya Zack

Jüdisches Museum Wien

Die permanente Rauminstallation The Shabbat Room von Maya Zack verbindet das erste Jüdische Museum Wiens mit dem heutigen. Die 1976 in Israel geborene Künstlerin rückt mittels künstlerischer Recherche die sogenannte Gute Stube des um 1900 berühmten Malers Isidor Kaufmann wieder ins Bewusstsein. Diese zentrale Museumsinstallation war ein wichtiges Zeugnis von Kaufmanns Suche nach Bildern eines „ursprünglichen“ Judentums bzw. nach dem Background der Wiener Jüdinnen und Juden um 1900. Kaufmann unternahm diese Suche Jahr für Jahr in den nordöstlichen Kronländern. Mit seiner 1899 installierten Guten Stube schenkte er den Wiener Jüdinnen und Juden einen Raum für die Erinnerung an das Familienleben ihrer eigenen Kindheit oder an das ihrer Eltern. Die Installation der Guten Stube wurde 1938 bei der gewaltsamen Schließung des ersten Wiener Jüdischen Museums zerstört.

www.jmw.at

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The Shabbat Room.

An installation by Maya Zack

Jewish Museum Vienna

The permanent installation The Shabbat Room by Maya Zack, born in Israel in 1976, offers a link between the first Jewish Museum and the present one. Through her artistic research, she revives the early twentieth-century Gute Stube by the artist Isidor Kaufmann. This installation, which was central to the museum, was the fruit of Kaufmann’s search for a more authentic Judaism and was intended to remind the Jews of the time of their origins. It took the artist from Vienna to the north-eastern crown lands. The installation offered the Jews of Vienna a place where they could reflect on family life during their own childhood or that of their parents. It was destroyed in 1938 when the first Jewish Museum was shut down. 

www.jmw.at

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Sasha Pirker & Lotte Schreiber

Festivaltrailer Diagonale 2016

In beschreibender Klarheit und unter Einbeziehung unterschiedlicher Texturen befassen sich Sasha Pirker und Lotte Schreiber mit medienkünstlerischen Grundbedingungen wie Licht und Schatten, Architektur und Raum, Sprache und Bild. Zuletzt wurden Pirker und Schreiber auf der Diagonale 2015 für Exhibition Talks mit dem Preis für Innovatives Kino geehrt. Für die Diagonale’16 gestalten die beiden mehrfach ausgezeichneten Filmemacherinnen zusammen den Festival-Trailer und sind zudem im Kunsthaus Graz mit einer Ausstellung vertreten. Die statische Totale von einer verwilderten Wiese in der gleißenden Mittagssonne. Im Zentrum ein ungepflegter Fußballplatz, dahinter ein dunkler Wald. Ein heruntergekommener Trailer am Bildrand. Als dieser bewegt wird, verschiebt er sich im Bild – und analog dazu der Begriff in unseren Köpfen.

www.diagonale.at

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Johannes Maria Staud / Josef Winkler

Specter of the Gardenia oder Der Tag wird kommen

Eröffnung steirischer herbst 2015

„Specter of the Gardenia oder Der Tag wird kommen“ – die Skulptur des Surrealisten Marcel Jean inspirierte Josef Winkler zu einem eigensinnigen surrealistischen Monolog. Sein Text besteht formal aus drei Elementen: litaneihafte Anrufungen eines imaginären Gegenübers wechseln sich mit Rückblicken auf eine katholische Kindheit in Kärnten und sprachmächtigen Weltklagen über die Gesellschaft unserer Zeit ab.

www.steirischerherbst.at

 

Johannes Maria Staud / Josef Winkler

Specter of the Gardenia oder Der Tag wird kommen

Opening steirischer herbst 2015

“Specter of the Gardenia oder Der Tag wird kommen” – surrealist Marcel Jean’s sculpture inspired Josef Winkler to create an unusual surrealist monologue. Formally, his text consists of three elements: litany-style invocations of an imaginary vis-à-vis alternate with retrospective views of a Catholic childhood in Carinthia and powerful plaints on contemporary society.

www.steirischerherbst.at

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Ulrike Müller

The old expressions are with us always and there are always others

mumok 2015

In Ulrike Müllers künstlerischer Arbeit geht es um das Verhältnis von Abstraktion und Körper sowie um einen Malereibegriff, der nicht an Pinsel und Leinwand gebunden ist. Die geometrisch anmutenden Figuren und Farbflächen in ihren Kompositionen sind nie „reine“ Abstraktion; sie rufen erotische und sexuelle Assoziationen wach, sie necken, berühren und durchdringen einander, ohne sich allerdings in einfache Gegensatzpaare auflösen zu lassen. Müller verwendet Abstraktion als ein Vokabular, das – je nach Kontext und Betrachter_in – gegenständlich besetzt, affektiv aufgeladen und politisch konnotiert sein kann.

www.mumok.at

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Ulrike Müller

The old expressions are with us always and there are always others

mumok 2015

In her artistic work, Ulrike Müller (born 1971 in Brixlegg, Tirol, lives in New York) explores the relationships between abstraction and bodies and a concept of painting that is not restricted to brush and canvas. The geometrical figures and color surfaces in her compositions are never “purely” abstract. They carry erotic and sexual associations; they tease, touch, and penetrate each other without collapsing into binary logic. Müller uses abstraction as an idiom that can be figuratively appropriated, emotionally charged and politically connoted—depending on the context and the viewer. “My paintings are part of the desire to imagine and to practice alternatives to traditional gender roles and lifestyles,” Müller says.

www.mumok.at

 

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con-tempus postkarte JMW-Lessing-druck-1© Lessing

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Lessing zeigt Lessing

 Jüdisches Museum Wien 2015

Die Bilder des österreichischen Fotografen Erich Lessing gingen um die Welt. Sein legendäres Foto anlässlich des österreichischen Staatsvertrages mit Leopold Figl und den alliierten Außenministern auf dem Balkon des Belvedere wurde zu einer Ikone des neuen Österreich. Erich Lessing erlebte als jüdisches Kind die Verfolgung und Deportation seiner Familie aus Wien, ihm selbst gelangte die Flucht nach Palästina. Sein Hobby aus der Jugendzeit wurde zu seinem Beruf.

www.jmw.at

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Lessing presents Lessing

Jewish Museum Vienna 2015

The pictures by the Austrian photographer Erich Lessing are world-famous. His legendary photo of Leopold Figl and the Allied foreign ministers on the balcony of the Belvedere at the signing of the Austrian State Treaty has become an icon of the new Austria. Lessing experienced the persecution and deportation of his family from Vienna. He himself managed to flee to Palestine and was able to make a career of his youthful hobby.

www.jmw.at

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Lukas Marxt

Festivaltrailer Diagonale 2015

‚Einsam kann nur der Betrachter werden, niemals jedoch seine Umgebung‘, das ist ein Satz, der mich, seit ich ihn einmal gelesen habe, anhaltend beschäftigt. Es geht mir darum, die selbstverständlichen Mechanismen der Wahrnehmung aufzudecken, ins Bewusstsein treten zu lassen und meine Umgebung unter Berücksichtigung der immer präsenten zeitlichen Komponente zu beobachten. Dabei interessiert mich die Sensibilisierung der menschlichen Wahrnehmung.´ (Lukas Marxt)

www.diagonale.at

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Cosima von Bonin / PRODUZENTIN & CVB 2010  © O.HUSAIN

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COSIMA VON BONIN

HIPPIES USE SIDE DOOR. DAS JAHR 2014 HAT EIN RAD AB.

mumok 2014

Im Herbst 2014 präsentiert das mumok die bisher umfassendste Ausstellung Cosima von Bonins in Österreich. Unter dem Titel HIPPIES USE SIDE DOOR. DAS JAHR 2014 HAT EIN RAD AB. erwartet die BesucherInnen ab 4. Oktober mit über 100 Arbeiten ein groß angelegter Überblick über das Werk der 1962 in Mombasa, Kenia geborenen Künstlerin – von den künstlerischen Anfängen bis hin zu ganz neuen Arbeiten. Retrospektiv angelegt, vollzieht die Ausstellung nach, wie von Bonins Arbeiten immer stärker in den Raum übergreifen.

www.mumok.at 

COSIMACOSIMA

COSIMA VON BONIN

HIPPIES USE SIDE DOOR. THE YEAR 2014 HAS LOST THE PLOT.

mumok 2014

In the fall of 2014 mumok will present the largest exhibition of works by Cosima von Bonin to date in Austria. Opening on October 4, 2014, this exhibition, HIPPIES USE SIDE DOOR. THE YEAR 2014 HAS LOST THE PLOT., will include more than 100 works by von Bonin, who was born in 1962 in Mombasa, Kenya, ranging from her earliest to completely new works. This retrospective exhibition will also show how von Bonin’s work has moved more and more in the direction of installations that increasingly come to take possession of the space they are placed in.

www.mumok.at

 

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© Maarten Vanden Abeele

steirischer

Grace Ellen Barkey / Jan Lauwers / Needcompany

All Tomorrow’s Parties I + II

Eröffnung steirischer herbst 2014

Die legendäre Needcompany, ein Künstlerkollektiv unter der Leitung von Jan Lauwers und Grace Ellen Barkey, hat sich im Laufe ihrer Geschichte immer wieder neu erfunden. Und in den letzten 25 Jahren mit grenzüberschreitenden Performances auch die Theaterwelt entscheidend verändert und bereichert. Für dieses dem Experiment verpflichteten Lebenswerk wurde Jan Lauwers heuer mit dem Goldenen Löwen in der Theatersektion der Biennale in Venedig ausgezeichnet.  

www.steirischerherbst.at

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Grace Ellen Barkey / Jan Lauwers / Neecompany

All Tomorrow’s Parties I + II 

Opening steirischer herbst 2014

The legendary Needcompany, an artists’ collective headed by Jan Lauwers and Grace Ellen Barkey, has reinvented itself many times in the course of its history, significantly changing and enriching the world of theatre with cross-genre performances over the past twenty-five years. Jan Lauwers was awarded the Golden Lion for theatre at this year’s Venice Biennale for his experimental life’s work.

www.steirischerherbst.at

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 Das Südbahnhotel (c) Yvonne Oswald

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Das Südbahnhotel. Am Zauberberg der Abwesenheit.

Fotografien von Yvonne Oswald

Jüdische Museum Wien 2013

Die Fotografin Yvonne Oswald hat sich auf eine intensive Spurensuche begeben und fing die verbliebene Aura im Südbahnhotel mit der Kamera ein. „Das Südbahnhotel“ ist eine fotografisch-künstlerische Arbeit über das im historischen Kontext wichtigste weitgehend original erhaltene Palasthotel Mitteleuropas. Es versinnbildlicht die Leere, die durch die Ermordung und Vertreibung der Jüdinnen und Juden entstanden ist.

www.jmw.at

 

Südbahnhotel. The Magic Mountain Abandoned.

Photographs by Yvonne Oswald

Jewish Museum Vienna 2013

The photographer Yvonne Oswald set off to seek the traces of this bygone era and capture the residual aura of the Südbahnhotel with her camera. “Das Südbahnhotel” is an artistic photographic work with the extensively intact palace hotel, within its historical context one of the most important in Central Europe, as its subject. It is also a metaphor for the vacuum created through the murder and expulsion of the Jews.

www.jmw.at

 

 

 

 


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Festivaltrailer DIAGONALE  2014

Mit ihren abstrakten Videoarbeiten zählt Michaela Grill zu den wichtigsten Vertreter/innen digitaler Kunst in Österreich. Michaela Grill arbeitet mit äußerster Konsequenz am Zusammenspiel elektronisch produzierter (oder elektronisch gefilterter) Bild- und Tonstrukturen und setzt damit eine lange Tradition der Visualisierung musikalischer Formen im innovativen Kino fort. Ihre Videoarbeiten verhandeln die Frage der filmischen Wahrnehmung, wobei für sie nicht das originalgetreue Abbild der Wirklichkeit von Interesse ist, sondern die Möglichkeiten der Manipulation, der Reduktion und die Übersetzung in ein anderes künstlerisches Medium. Ein zentrales Element von Grills Werk ist zudem das synergetische Zusammenspiel von Bild und Ton. Dafür kooperiert die Künstlerin häufig mit Musiker/innen, vorwiegend aus dem Bereich experimenteller elektronischer Musik.

www.diagonale.at

 

Festivaltrailer DIAGONALE  2014

Michaela Grill is one of the most prominent exponents of digital art in Austria. Her videos deal with the question of cinematic perception, in which it is not the faithful reproduction of reality that interests her, but rather the potential for manipulation, reduction and translation into an abstract form. The synergistic interplay of image and sound is one of the core elements of her work. Grill therefore collaborates with musicians who focus largely on experimental electronic music. The feature presentation will not only comprise her complete body of work, including the Austrian premiere of her newest work FORÊT D’EXPÉRIMENTATION.

www.diagonale.at

 

 

 

 

© Sebastian Arpesella

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Federico León (AR)

Las Multitudes 

steirischer herbst 2013

Ein junger Mann sucht mit seinen Freunden die junge Frau, in die er verliebt ist. Doch sie verehrt einen Älteren, einen Musiker, und der ist ebenfalls vergeben. Szene um Szene und gemeinsam mit 120 Schauspielern entwickelt der argentinische Theater- und Filmemacher Federico León aus dieser einfachen Situation ein außer-gewöhnlich poetisches, ein berührendes, mit feinem Witz durch-wobenes Tableau der Generationen. Jeweils zwölf weibliche und zwölf männliche Vertreter jeder Generation hat León in Graz für diese Produktion gecastet: Kinder, Jugendliche, junge Erwachsene, Erwachsene, Seniorinnen und Senioren. Anfangs treten diese als geschlossene Gruppen auf, nach und nach bilden sich Beziehungen heraus, neue Konstellationen entstehen. Eine Band, ein Schwarm, Seilschaften und Netzwerke, ein Club. Einige entstehen spontan und chaotisch, andere sind wohl organisiert. Manche verflüchtigen sich ebenso schnell, wie sie sich gebildet haben.

www.steirischerherbst.at

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Federico León (AR)

Las Multitudes

steirischer herbst 2013

A young man and his friends are looking for the young woman he is in love with. But she adores an older man, a musician, who is also spoken for. Scene by scene, and together with one hundred and twenty actors, the Argentinian theatre- and film-maker Federico León takes this simple situation to develop an extraordinarily poetic and touching tableau of generations interlaced with subtle humour. León has cast twelve female and twelve male representatives of each generation for this production in Graz: children, teenagers, young adults, adults and senior citizens. To begin with they are cohesive groups, gradually entering into relationships and giving rise to new constellations. A band, a swarm, groups and networks, a club. Some are formed spontaneously and chaotically, others are well-organised. Some disperse as quickly as they formed.

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© Archiv HZ 2009

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Heimo Zobernig (AT)

Kunsthaus Graz 2013

Eine Kunstausstellung ist mehr als die Summe der in ihr präsentierten Werke. Diese Erkenntnis ist zwar nicht neu, wird aber von kaum einem Künstler derart konsequent gelebt, wie Heimo Zobernig es tut. In über 30 Jahren Ausstellungstätigkeit versteht es der österreichische Künstler (geboren 1958 in Mauthen, lebt in Wien) auf einzigartige Weise, sein vielschichtiges Werk und dessen Bedeutung von der Starrheit eines Œuvres zu bewahren und in sich veränderten Kontexten beweglich zu halten. Der Pragmatismus und das Lapidare, die Zobernigs Arbeiten oberflächlich gesehen aufzuweisen scheinen, werden von einem kritischen und gleichzeitig spielerischen Umgang mit dem Skulpturenbegriff unterlaufen, der – gespickt mit historischen Referenzen und Zitaten – stets mehr Fragen zum Erbe der Moderne und der buchstäblichen Gegenwart stellt, als es Antworten gibt.

www.museum-joanneum.at

 

Heimo Zobernig (AT)

Kunsthaus Graz 2013

An art exhibition is more than the sum of the works it presents. This insight may not be new, but hardly any artist lives this as consistently as Heimo Zobernig. In over 30 years of exhibition activity the Austrian artist (born in Mauthen in 1958, lives in Vienna) has uniquely understood how to preserve his multi-faceted work and its significance from the rigidity of an ‘œuvre’, and to remain mobile in contexts that have altered. The pragmatism and casualness that superficially seem to be revealed in the works of Zobernig are thwarted by a playful interaction with the concept of sculpture, which – studded with historical references and quotes – always raises more questions about the legacy of modernism and the present in a literal sense, than it offers answers.

www.museum-joanneum.at

 

 

 

 

 

 

 

Mathias Poledna / Austrian Pavilion / 55th International Art Exhibition / La Biennale di Venezia 2013

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Mathias Poledna (AT)

La Biennale di Venezia / Austrian Pavilion 2013

In seiner Arbeit beschäftigt sich Poledna mit Verbindungen zwischen Kunst und Unterhaltungskultur, der Moderne in Architektur und Design, der Sprache des Kinos und der Geschichte des Ausstellens. Seine Werke zeichnen sich durch eine rigorose Auseinandersetzung mit dem Medium Film und der Funktion von Bildern in Gegenwart und Vergangenheit aus. In den letzten Jahren haben sie zumeist die Form äußerst konzentrierter, filmischer Installationen mit reichen Bezügen zur Kultur des 20. Jahrhunderts angenommen.

www.labiennalevenezia.at

 

Mathias Poledna (AT)

La Biennale di Venezia / Austrian Pavilion 2013

His work examines the interconnections between art and entertainment, modernity in architecture and design, the language of film, cinema and the process of image making in our culture. Often informed by extensive research, his projects of recent years have taken the form of minimal and highly evocative film installations that suggest a complex tension between their visceral attraction and concepts circulating around them.

www.labiennalevenezia.at

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Franz West in front of his Rolls Royce, Photo: Archive Franz West © Franz West

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Franz West (AT)

Wo ist mein Achter?

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Franz West war einer der bedeutendsten Österreicher im internationalen Kunstgeschehen. Mit seinen Passstücken und Möbeln sowie Skulpturen im Innen- und Außenraum erlangte der im Juli 2012 verstorbene Künstler Weltruhm. Bereits vor 16 Jahren hat das Wiener mumok Franz West seine erste umfassende Retrospektive ausgerichtet. Nun widmet es ihm erneut eine große Ausstellung, die er noch selbst initiiert und mit viel Enthusiasmus mitentwickelt hat. Wo ist mein Achter? gibt mit rund 30 mehrteiligen Werken einen Einblick in die komplexe und vielschichtige Kunstpraxis von West.

www.mumok.at

 

Franz West (AT)

Where is my Eight?

mumok 2013

Franz West was one of the most important Austrians in the international art world. The artist, who died in July 2012, achieved worldwide fame with his “Passstücke” [adaptives], his furniture and his sculptures for interior and exterior spaces. It is now sixteen years ago that the mumok organized Franz West’s first comprehensive retrospective. Now, once again, it is dedicating a large-scale exhibition to his work that was initiated and co-developed by him with great enthusiasm.

www.mumok.at

 

 

 

 

© Ruhrtriennale / Klaus Grünberg

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Heiner Goebbels / Camina Slovenia (D/SLO)

When the mountain changed its clothing

steirischer herbst 2012

Das Alte ist nicht mehr, das Neue noch nicht greifbar: Die vierzig jungen Sängerinnen des weltweit tourenden slowenischen Chors Carmina Slovenica – alle zwischen zehn und zwanzig Jahre alt – konfrontieren uns energiegeladen mit Geschichten und Fragen zum Abschied von ihrer Kindheit. Zwischen Souveränität und Abhängigkeit sind ihre Spiele nur scheinbar harmlos, in Texten von Joseph Eichendorff bis Marina Abramović erproben sie immer wieder ihre eigene Position und justieren die Machtverhältnisse untereinander, aber auch zu uns im Publikum stets neu.

www.steirischerherbst.at

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Heiner Goebbels / Camina Slovenia (D/SLO)

When the mountain changed its clothing

steirischer herbst 2012

The old is no more, the new not yet tangible: the forty young singers of the world-touring Slovene choir Carmina Slovenica – all between ten and twenty years old – confront us energetically with stories and questions concerning the farewell to childhood. Between sovereignity and dependency, their games only appear harmless. In the texts ranging from Joseph Eichendorff to Marina Abramović, they are constantly testing their own position and adjusting the balance of power amongst themselves and in relation to us, the audience.  

www.steirischerherbst.at

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© BERLIN [berlinberlin.be]

Berlin (BE)

Land´s End

La Strada 2012

Die Ausgangssituation: ein Mordfall in einer kleinen belgischen Gemeinde. Menschen von dies- und von jenseits der Grenze scheinen darin verstrickt. In dieser außergewöhnlichen Koproduktion von La Strada und IN SITU verwandeln sich die Reininghausgründe in einen Ort des Verbrechens und in ein Verhörzimmer direkt an der französisch-belgischen Grenze. Angebliche Industriemaschinen erweisen sich als bizarre Versuchsanordnungen für einen Mordanschlag. Erst nach und nach enthüllt sich während eines Rundganges mit Video-sequenzen und Live-Verhör das Bild einer so unheimlichen wie grotesken Verschwörung. „Land’s End“ ist ein gekonntes Verwirrspiel mit Motiven aus Crime & Suspense. Zwischen-Räume werden aufgemacht,Grenz-Überscheitungen vollzogen. Angst-Lust tut sich auf: Werden im Wahn unüberwindlich scheinende Schwellen überschritten? Und was steckt hinter dieser hermetisch abgeschlossenen Tür? Ein begehbarer Thriller, ein Spiel mit Gut und Böse, Theater an der Grenze.

www.lastrada.at

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Berlin (BE)

Land´s End

La Strada 2012

This co-production between the Belgian company Berlin and IN SITU revolves around a murder case in a small Belgian community, with people from both inside and outside the country’s borders involved. Here the Reininghaus site transforms into both a crime scene and an interrogation room on the Franco-Belgian border. Industrial installations represent several scenarios to kill the victim. Only gradually does the tour, with video sequences and live interrogation, reveal a picture of a conspiracy as weird as it is grotesque. Themes of crime and suspense are played out, dealing with interspaces and the breaching of borders. Where one border can be crossed in a fit of insanity, another is closed hermetically.

www.lastrada.at

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Markus Schinwald, Ken, 2011 /  Courtesy Gio Marconi Gallery, Milano

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Reflecting Fashion / Kunst und Mode seit der Moderne

mumok 2013

Thema der Ausstellung ist Kleidung und Mode als essentieller Bestandteil von Kunst, der besonders seit Mitte der 1960er-Jahre für bedeutende KünstlerInnen wie Ellsworth Kelly, Cindy Sherman, Niki de Saint Phalle oder Daniel Buren eine Rolle spielt. Immer schon hat die Mode einen entscheidenden Anteil an der Semantik der Moderne, deren Paradigmen sich seit Baudelaires „modernité“ an Konzepten der „mode“ orientieren. Im frühen 20. Jahrhundert wird die Mode bei den Futuristen oder bei Sonia Delaunay, aber auch im Surrealismus zur Sprache der Avantgarden.

www.mumok.at

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Reflecting Fashion / Art and Fashion since Modernism

mumok 2013

The exhibition focuses on clothing and fashion as an essential component of art, where particularly since the mid-1960s they have played a major role in the work of such artists as Ellsworth Kelly, Cindy Sherman, Niki de Saint Phalle and Daniel Buren. Fashion has always played an important role in the semantics of modernism, with numerous traditions following Baudelaire in defining “modernité” through a concept of fashion – of what is “à la mode”.

www.mumok.at

 

 

 

 

Claes Oldenburg / London 1966 © Hans Hammarskiöld / Text excerpted from I am for… by Claes Oldenburg

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Claes Oldenburg (SE)

The Sixties 

mumok 2012

Claes Oldenburg (* 1929, Stockholm, Schweden) ist nicht nur ein Hauptvertreter der Pop Art, der Performance- und Installationskunst, sondern prägte auch gemeinsam mit Coosje van Bruggen die Kunst im öffentlichen Raum mit seinen monumentalen Large Scale Projects in zahlreichen Metropolen weltweit. Mit seinen humorvollen wie tiefgründigen Darstellungen von Alltagsobjekten ist er einer der wichtigsten und populärsten Künstler seit den späten 1950er- Jahren. Zentraler Bezugspunkt von Oldenburgs Werk ist das industriell gefertigte Objekt – das Objekt als Ware, die in immer neuen medialen und formalen Metamorphosen zum kulturellen Träger und Symbol von Imaginationen, Wünschen und Obsessionen in der modernen Lebenswelt wird.

www.mumok.at

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Claes Oldenburg (SE)

The Sixties

mumok 2012

Claes Oldenburg (* 1929, Stockholm, Sweden) has not only been a major artist in Pop Art, Performance Art and Installation Art but, in partnership with Coosje van Bruggen, also a strong influence on art in public spaces with his monumental Large Scale Projects in numerous major cities worldwide. With his humorous and profound depictions of everyday objects he is one of the most important and admired artists since the late 1950s. One central point of reference in Oldenburg’s oeuvre is the industrially produced object—the object as a commodity which, in ever-new metamorphoses of media and form, becomes a conveyor of culture and a symbol of the imagination, desires, and obsessions of the modern world.

www.mumok.at

 

 

 

 

© Anne Teresa De Keersmaeker

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Anne Teresa De Keersmaeker (BE) / Björn Schmelzer (BE)

Cesena

steirischer herbst 2011

Tänzer singen, Sänger tanzen. Anne Teresa De Keersmaeker – mit ihren konzeptuell klaren und zugleich betörend schönen Inszenierungen seit Langem eine der einflussreichsten Choreografinnen unserer Zeit – nimmt die Idee dieser Zusammenarbeit ernst: Björn Schmelzers einzigartiges Vokal-Ensemble Graindelavoix liefert nicht einfach die Musik zum Tanz, sondern ist von Anfang an Teil der Entstehung dieses gemeinsamen Abends, zuerst für den offenen Ehrenhof des Papstpalasts in Avignon konzipiert, anschließend überarbeitet und eröffnet als Premiere der Bühnenfassung den diesjährigen steirischen herbst. Neunzehn Tänzer und Sänger erforschen im sich transformierenden Licht- und Bühnendesign von Ann Veronica Janssens die Grenzen ihrer Fähigkeiten im Dialog mit einer Musik, die zwar aus einer zeitlich weit entfernten Welt stammt, doch paradoxerweise in ihrer Komplexität und Abstraktion durchaus unserem zeitgenössischen Musikverständnis entspricht: Die Ars subtilior aus dem ausgehenden 14. Jahrhundert vereint in umständlicher Notation drei scheinbar unabhängige Stimmen zu einer rhythmisch äußerst differenzierten Partitur. „Cesena“ setzt einen selten praktizierten Musikstil bewusst als Kontrapunkt zu unserem musikalischen Kanon und eröffnet so neue Welten des Hörens und des Sehens.

www.steirischerherbst.at

 

Anne Teresa De Keersmaeker (BE) / Björn Schmelzer (BE)

Cesena

steirischer herbst 2011

Dancers sing, singers dance. Anne Teresa De Keersmaeker – who has long been one of the most influential choreographers of our time, with her conceptually clear and yet enchantingly beautiful productions – takes the idea of this collaboration seriously: Björn Schmelzer’s unique Graindelavoix vocal ensemble not only provides the music for the dancing, but was also involved from the outset in creating this joint evening, that was first conceived for the open Court d’Honneur at the Palais des Papes in Avignon and has since been adapted for its stage première opening this year’s steirischer herbst. Amidst Ann Veronica Janssen’s mercurial light and stage design, nineteen dancers and singers explore the limits of their skills in a dialogue with a music that, while hailing from a world distant in time, is nevertheless paradoxically very much akin to our contemporary understanding of music in terms of its complexity and abstraction: Ars subtilior from the late 14th century uses a complex notation to combine three seemingly independent voices so as to create a rhythmically extremely differentiated score. “Cesena” consciously sets a rarely practised style of music in counterpoint to our musical canon, thus tapping into new worlds of hearing and seeing.

www.steirischerherbst.at      

 

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© silveri

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Marino Fomenti (IT)

Nowhere

steirischer herbst 2011

„Nowhere“ ist ein Un-Ort mitten in der Stadt: Acht Tage lang sitzt der Klaviervirtuose Marino Formenti am Klavier, spielt, lebt, atmet, isst, schläft zuweilen in einem erbarmungslos öffentlichen und zugleich privaten Raum. Mit seinem Spiel überschreitet er die Trennung zwischen Bühne und Leben, Tag und Nacht, lässt übliche Konzertkonventionen von Zeit, Programm, Ort hinter sich und erprobt seine eigenen Grenzen: acht Tage voller Musik, die sich ebenfalls bewusst herkömmlicher Virtuositätsdramaturgie verweigert. Das Publikum ist eingeladen, über Stunden zu verweilen, zu kommen, zu gehen, wieder zu kommen, wieder zu hören und so Musik neu wahrzunehmen.

www.steirischerherbst.at

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Marino Fomenti (IT)

Nowhere

steirischer herbst 2011

Nowhere is a non-place in the middle of the city: for eight days, the piano virtuoso Marino Formenti sits at the piano, playing, living, breathing, eating, sleeping at times in a relentlessly public and yet private space. By playing, he transgresses the dividing line between stage and life, day and night, leaving behind the usual concert conventions of time, programme, venue and testing his own limits: eight days full of music that also deliberately refuses to engage in a conventional dramaturgy of virtuosity. The audience is invited to stay for a few hours, to come and go, to come back, listen in again, and thus perceive music in new ways.

www.steirischerherbst.at

 

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© hindinger

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Jörg Albrecht (D)

beim Anblick des Bildes vom Wolf

Legero 2011

Jörg Albrecht liest Teile seines dritten Romans (erscheint im Frühjahr 2012 im Wallstein Verlag), unterstützt von der Sängerin Nadine Finsterbusch und Steffen Klewar, Regisseur und Schauspieler bei copy & waste. Der Berliner Musiker Ramin Bijan (Die Türen, The Say Highs) produzierte die Musikaufnahmen. Die Stadt draußen und die Design City vermischen sich in der Kamera, Einstudiertes trifft auf live Erzeugtes, Wasserglaslesung is smashed by Musikvideo.

www.fotofixautomat.de

 

Jörg Albrecht (D)

at the sight of the picture of the wolf

Legero 2011

Jörg Albrecht reads excerpts from his third novel (to be published in spring 2012 by Wallstein Verlag), supported by singer Nadine Finsterbusch and Steffen Klewar, director and actor with copy & waste. Berlin musician Ramin Bijan (Die Türen, The Say Highs) produced the music recordings. The city outside and the Design City merge in the camera, rehearsed music meets live creation, strait-laced book reading is smashed by music video.

www.fotofixautomat.de